En me demandant dans quel compositeur de musique artistique plonger cette semaine, j’ai été submergé par les détails infinis qui enveloppent l’une des questions essentielles du cours,

« Ce qui est considéré comme vrai et authentique De la musique américaine ?”.

Après près de 2 1/2 mois de recherches et de conférences, j’ai toujours l’impression d’avoir à peine effleuré la surface de ce qui définit le son américain. Prenez MacDowell, par exemple, qui a estimé qu’il capturait la véritable essence du paysage américain en misant sur la notion romancée des tribus amérindiennes « mourantes”. Ou Gershwin qui, tout en transcrivant avec succès l’idiome musical du jazz dans un cadre symphonique, a beaucoup emprunté aux genres traditionnels du blues, du folk et du jazz, créant des pièces définies par une collection diverse et floue d’origines et d’identités. Même des artistes pratiquant des techniques étendues, tels que Henry Cowell, se sont appuyés sur des influences est-asiatiques au milieu de ses grappes de tons et de ses « accords en voie de disparition. »

Ce processus de réflexion m’a finalement conduit à l’année 1952, où le compositeur expérimental américain John Cage a composé un morceau de musique intitulé 4’33″. Aussi célèbre que controversée, la pièce s’articule autour de trois mouvements (destinés à tout instrument ou combinaison d’instruments) qui consistent en quatre minutes et trente-trois secondes de silence. Alors qu’au niveau de la surface, cette pièce pourrait facilement être décrite comme une blague (ou même être considérée comme un exemple précoce de ce que les enfants appellent maintenant des « mèmes”), je pense que les intentions de Cage derrière elle pourraient potentiellement amener le travail silencieux au premier plan de cette question essentielle redoutée et chargée.

Performance live de 4’33”: https://www.youtube.com/watch?v=JTEFKFiXSx4

Dans une série de lettres et d’interviews révisées de Richard Kostelanetz, Cage présente et définit le but derrière 4’33”:

« Vous savez que j’ai écrit une pièce appelée 4’33” qui n’a aucun son de ma propre fabrication…4’33” devient en performance les sons de la environnement. »

Plutôt que d’écrire par souci d’originalité, Cage a composé une pièce qui ne résonne pas du compositeur ou du public, amenant idéalement les deux à simplement devenir des observateurs de leur environnement. Il illustre un mouvement vers la musique qui se trouve derrière le « rien » et l’acceptation de sons non intentionnels dans un cadre artistique. Alors que d’autres compositeurs américains, y compris ceux susmentionnés, ont emprunté et élaboré des éléments musicaux à partir d’un contexte sonore diversifié (résultant souvent d’un acte involontaire d’appropriation culturelle), Cage a été le premier compositeur américain à créer un espace artistique qui capture un « environnement” de son vide de toute atteinte raciale ou ethnique.

Cela ne veut pas dire que Cage puisse se considérer libre de toute atteinte culturelle tout au long de sa carrière (ou que cette composante de la composition soit intrinsèquement négative), mais 4’33” est un exemple intéressant d’un compositeur qui s’éloigne temporairement de cette réalité. Malheureusement, Cage lui-même a considéré 4’33”comme une tentative infructueuse de créer une pièce de musique structurée non dualiste (comme il a créé et déterminé certaines « limites” de la pièce), mais c’est certainement, sinon autre chose, un exemple louable de la façon dont les auditeurs de musique devraient prendre du recul par rapport au monde des symphonies et des sonates et profiter des sons naturels et indéterminés du monde qui les entoure.