Contributi maggiori

Come per il concerto vocale e strumentale dell’epoca barocca, il punto di partenza per il concerto solista nell’era classica risiede nella musica italiana. Ma questa volta più peso deve essere attribuito all’evoluzione del concerto in Germania e Austria. In questi paesi, vi è lo sviluppo più significativo, quello del concerto per pianoforte, come coltivato dai principali maestri classici.

Il passaggio alla consistenza più leggera e ai pensieri musicali più frammentati dello “stile galante” pre-classico può essere attribuito in parte ai concerti per archi italiani, in particolare a quelli di Tartini, Giovanni Battista Sammartini, Luigi Boccherini e Giovanni Battista Viotti. Ma l’unico concerto per pianoforte che Boccherini potrebbe aver lasciato intorno al 1768, insieme a diversi concerti per violoncello, e i pochissimi concerti che Clementi in Inghilterra presumibilmente convertì in sonate per pianoforte solo difficilmente fanno una nicchia per i compositori italiani nella storia del concerto per pianoforte. Il pieno sfruttamento del pianoforte nel concerto e la creazione di concerti più sostanziali e consequenziali per esso devono essere attribuiti principalmente a due dei figli di J. S. Bach e al triumvirato viennese di alta classicità di Haydn, Mozart e Beethoven. Mentre Wilhelm Friedemann Bach aveva ampiamente seguito suo padre nella sua mezza dozzina di concerti per clavicembalo, archi e basso continuo, Carl Philipp Emanuel Bach ha aperto nuove strade in circa 50 concerti per tastiera, così come alcuni concerti per violino e flauto. Ciò è particolarmente vero per i suoi concerti successivi destinati al pianoforte (1772) piuttosto che al clavicembalo. Strumentazione originale, dialogo tra pianoforte e orchestra, voli audaci e recitativi espressivi, sono tra le caratteristiche dei concerti di Emanuel. Così sono anche i movimenti finali che ricordano nel carattere il vivace sviluppo musicale e drammatico alla fine di un atto di opera buffa (opera comica italiana).

Al contrario, i 37 concerti per clavicembalo o pianoforte di Johann Christian Bach dello stesso periodo sono lavori più leggeri, più fluenti e più facili rivolti alle abilità e ai gusti amatoriali. La maggior parte di essi, come le sue sonate ma a differenza della maggior parte delle sue 31 sinfonie concertanti, hanno solo due movimenti, il finale spesso è un minuetto o un insieme di variazioni. Le anticipazioni dello stile mozartiano sono inconfondibili.

Haydn ha lasciato 36 concerti che possono essere verificati, che coprono gli anni dal 1755 al 1796 circa; per violino (quattro); violoncello (cinque); basso; corno (quattro); ghironda, o violino ruota (cinque); tromba; flauto; oboe; baryton, uno strumento simile al violoncello (tre); e tastiera (11, sia per organo, clavicembalo o pianoforte). Nel 1792 scrisse anche una sinfonia concertante per violino, oboe, violoncello, fagotto e orchestra completa che ritorna ai rapporti tutti–soli del concerto grosso. I concerti per tastiera testimoniano nella loro gestione poco sorprendente, a volte pedonale della parte solista che Haydn non era un tastierista distinto. Anche il più noto di essi, il Concerto per pianoforte in Re Maggiore (1784), si sente oggi più nell’educazione che nei circoli concertistici, nonostante la sua forza musicale, specialmente nel “Rondò all’Ungherese”. L’unico concerto di Haydn ampiamente eseguito nel mondo concertistico odierno è un’opera ammirevole e sonora per violoncello, in re maggiore (1783, un tempo attribuita al violoncellista tedesco Anton Kraft). Eseguito nei soliti tre movimenti, con chiari legami tematici tra loro e accompagnato solo dalla solita orchestra in otto parti (quattro archi, due oboi, due corni), questo lavoro è variamente cantico, brillante in un grado tassativo e danzante. Un altro importante contributo di Haydn fu il suo ultimo concerto (1796), un lavoro intraprendente e difficile in mi bemolle maggiore che sfruttava la nuova tromba a chiave, che a differenza delle precedenti trombe era in grado di suonare scale diatoniche (sette note) e cromatiche (12 note).

Durante la sua breve carriera, Mozart lasciò circa 45 concerti verificabili risalenti al 1773 fino al suo ultimo anno, il 1791. Questi non includono cinque primi concerti per pianoforte arrangiati da movimenti di concerto o sonata scritti da Emanuel e Christian Bach e due compositori minori. Del totale, ci sono 21 per pianoforte, sei per violino, cinque per corno, due per flauto, e uno ciascuno per oboe, clarinetto, fagotto, flauto e arpa, due pianoforti, tre pianoforti e due violini (chiamati Concertone). Altri due esempi, intitolati “Sinfonia concertante”, sono per violino e viola, e per un concertino di oboe, clarinetto, corno e fagotto. I più noti e più suonati sono cinque degli ultimi otto concerti per pianoforte solo (K. 466, 467, 488, 491 e 595), che si classificano tra i migliori dei suoi lavori e i migliori del genere. Molto apprezzato e giocato spesso, troppo, sono la Sinfonia concertante in mi bemolle Maggiore per Violino, Viola e Orchestra K. 364, E. 320d, e il Concerto per Due Pianoforti, K. 365, E. 316a. Due concerti per violino e orchestra sono ben noti (K. 218 in re maggiore K. 219 in la maggiore), anche se più studenti, che divengono. Tra questi cinque concerti per pianoforte solo, quello in re minore (K. 466) rivela una nuova urgenza e compattezza nella scrittura di Mozart, riflettendo l’atmosfera del periodo Sturm und Drang (“Tempesta e stress”) nell’arte tedesca, tranne che nell’ingenuamente affascinante “Romanticismo” che è il movimento centrale. Uno dei molti esempi dei contrasti tutti–solo sorprendenti in questo lavoro è la prenotazione di alcuni materiali, incluso il tema iniziale del solista, per il solo solista. Il Concerto in Do Maggiore, K. 467, è un lavoro più allegro, ampio e maestoso nelle sue idee di apertura, spumeggiante con intrigante figurazione melodica, e coronato da uno dei rondos più deliziosi di Mozart. Il Concerto in la Maggiore, K. 488, è ricco di malinconiche melodie canore. La linea filata del movimento centrale, nel ritmo del siciliano (una danza italiana), rende un foglio ideale per il “Presto” gay e melodico che segue. Come il concerto in do minore, quello in do minore (K. 491) è un lavoro intenso, più esteso ma ancora più stimolante. L’ultimo concerto per pianoforte solo di Mozart, quello in si bemolle maggiore (K. 595), è un altro capolavoro, sempre fresco nelle sue idee, ma con un’aria di dolce rassegnazione nella sua semplicità quasi neoclassica.

molto più piccolo di uscita dei concerti di Beethoven, anticipando ancora più piccole uscite dalla sua 19 ° secolo successori, non è sorprendente, in vista della più ampia gamma di espressione, un’ulteriore esplorazione di risorse strumentali, e la dimensione maggiore dei suoi concerti. Ci sono nove opere complete in tutto. Questi includono sette con pianoforte – i cosiddetti cinque standard (1795-1809) più un altro dalla sua infanzia e un altro, utilizzando coro e orchestra, che è raramente eseguita, stranamente costruito, e quasi inclassificabile (Fantasia corale, Opus 80, eseguita per la prima volta 1808). Inoltre, c’è il Concerto per violino in re maggiore (1806) e un degno, ma molto meno riuscito, triplo Concerto in Do maggiore per pianoforte, violino e violoncello, Opus 56 (1804). Difficilmente si poteva trovare una gamma più ampia di espressione rispetto a quella tra il terzo, quarto e quinto (Imperatore) concerti per pianoforte. Ridotto a capsula, termini soggettivi, il terzo, in do minore, deve essere caratterizzato come dramma avvincente, serenità silenziosa, e unità febbrile nei suoi rispettivi movimenti; il quarto come lirismo gioioso, tragedia stark, e scintillante allegria; e il quinto come eroica grandezza, nobile dignità, e vittoriosa gioia. Le sezioni di apertura tutti possono essere prese come campioni della grande varietà di struttura musicale in questi stessi tre concerti. Nel terzo, il tutti estende l’esposizione dei temi sviluppando o discutendo ciascuno dopo che è stato dichiarato per la prima volta. L’assolo entra quasi subito, con solo un breve fiorire, sul tema principale. Nel quarto concerto, il pianoforte inizia da solo con una breve, rinfrescante semplice pronuncia del tema principale, seguita immediatamente da una sorprendente, ingresso tangenziale dell’orchestra. Si svolge un’esposizione completa che discute ogni tema ancora più che nel terzo concerto. Questa volta l’assolo entra per l’esposizione ripetuta solo dopo un fiorire più esteso, della durata di 15 misure. Nell’ultimo concerto, il solista inizia abbellendo ciascuna delle tre armonie primarie dell’orchestra con una cadenza separata. Solo dopo questa apertura inizia un’esposizione completa di tutti che, nella sua discussione dei temi, è ancora più sviluppata che nel quarto concerto. Non fino a quando l’esposizione orchestrale è terminata, il solo entra di nuovo per iniziare la sua elaborazione altamente virtuosistica in un’esposizione ripetuta. È tale sviluppo in tutte le parti delle forme musicali, e non solo nelle “sezioni di sviluppo”, che rappresenta le grandi lunghezze del Concerto per pianoforte n.5 e del Concerto per violino. Notevoli sono le eccezionali difficoltà tecniche di questi due capolavori impareggiabili, che crescono tanto dalla loro complessità musicale quanto dall’evidente desiderio del compositore di rivelare nuovi modi di utilizzare i suoi strumenti solisti (in particolare il pianoforte che avanza rapidamente, con la sua gamma più ampia, l’azione più pesante e il tono più grande).