Chris Ofili, La Santa Vergine Maria, 1996, carta collage, la pittura a olio, glitter, resina poliestere, mappa perni & sterco di elefante su tela di lino, 243.8 x 182.9 cm © Chris Ofili

Sensation

Quando la collezione personale del pubblicitario britannico e collezionista d’arte Charles Saatchi andò in tour in una mostra chiamata Sensation nel 1997, gli spettatori avrebbero dovuto sapere di prepararsi per le polemiche. Lo spettacolo ha presentato una sezione trasversale del lavoro scioccante di una nuova generazione sfacciata di” Giovani artisti britannici”, tra cui, ad esempio, il ritratto di Marcus Harvey di Myra Handley, assassino di bambini condannato, e tableaux scultorei pornografici di Jake e Dinos Chapman. A Londra, il museo è stato picchettato dal primo giorno, ma l ” attenzione dei media alla fine ha inaugurato affluenza record.

Nell’ottobre del 1999, Sensation ha aperto al Brooklyn Museum of Art, dove è stato il dipinto iconico di Chris Ofili, La Santa Vergine Maria che ha suscitato il dibattito più acceso. Il sindaco Rudy Giuliani ha minacciato di chiudere l’istituzione finanziata dalla città sulla base del fatto che quest’opera d’arte era offensiva per gli spettatori religiosi. Due mesi dopo, il dipinto, che poggia su due grandi palle di sterco di elefante, è stato profanato da un visitatore anziano che spalmato vernice bianca sulla sua superficie, sostenendo che l “immagine era” blasfema.”

A prima vista sembra facile discernere il motivo per cui il dipinto ha sollevato alcune sopracciglia: l’inclusione di vera merda e pornografia collage potrebbe essere sufficiente per offendere gli spettatori conservatori. Tuttavia, il lavoro di Ofili è più sfumato di quanto apparisse ai suoi detrattori; l’opera riflette sui precedenti storici dell’arte mentre affronta la politica dell’identità, la religione e la cultura pop. Per cogliere la sua complessità, si deve guardare sotto la superficie-come abbagliante e scioccante come può essere.

Iconico o iconoclastico?

Posta su uno sfondo dorato scintillante composto da punti accuratamente posizionati di vernice e glitter, la figura centrale nel dipinto di Ofili fissa direttamente il suo spettatore, con gli occhi spalancati e le labbra separate. Il suo abito blu scorre dalla parte superiore della testa fino alla base amorfa del suo corpo, cadendo aperto per rivelare una palla laccata di sterco di elefante dove il suo seno sarebbe. Immagini collage di natiche femminili circondano la Vergine; tagliati da riviste pornografiche, diventano forme astratte, quasi decorative che si rifiutano di significare fino a quando non si confrontano da vicino. Le due palle di sterco sotto la tela sono adornate con lettere scintillanti che descrivono il titolo dell’opera.

Formalmente, l’uso dell’oro e della Vergine frontale collegano l’opera alle icone medievali, rendendo ancora più cruda la volgarità delle immagini pornografiche. Tuttavia, l’artista afferma che il sacro e il profano non sono sempre opposti, anche nell’arte religiosa tradizionale:

Come chierichetto, ero confuso dall’idea di una santa Vergine Maria che partoriva un bambino. Ora, quando vado alla National Gallery e vedo i dipinti della Vergine Maria, vedo quanto sono sessualmente carichi. La mia è semplicemente una versione hip hop.

Razza, religione e rappresentazione

È forse la dichiarazione finale di Ofili sopra che indica la fonte delle ansie dei suoi critici. Come ha spiegato Carol Becker, Ofili sta ” trasformando la Santa Vergine in un’immagine esuberante e folcloristica. (probably) probabilmente più controverso di tutti, ha fatto la sua propria rappresentazione della Vergine, sfida della tradizione.”La” bocca africana parodia ” e le caratteristiche facciali esagerate richiamano l’attenzione sugli stereotipi razziali, così come sul presunto candore delle figure bibliche nelle rappresentazioni occidentali. L’icona di Ofili ci chiede di confrontarci con la possibilità di una Vergine Maria nera. Altre opere esprimono l’interesse di Ofili per la cultura nera in modo più esplicito: dipinti come la serie Afrodizzia e No Woman No Cry fanno riferimento non solo all’hip-hop e al reggae ma anche alla politica razziale contemporanea.

Il trionfo della pittura

Mentre le sue opere rendono omaggio a celebrità iconiche nere come James Brown, Miles Davis e Muhammad Ali, sono anche altrettanto sull’atto della pittura. Con i loro motivi psichedelici, i colori vivaci e le superfici testurizzate, le immagini esprimono il desiderio di Ofili di ” perdersi il più profondamente possibile sia nel processo di pittura che nel dipinto stesso.”

Fin dai suoi inizi, l’artista era appassionato del mezzo, anche se la pittura è cresciuta in disgrazia sulla scia del postmodernismo. Si iscrisse alla Chelsea School of Art dove sviluppò uno stile espressionistico, ma il suo lavoro iniziò a maturare dopo un viaggio spesso mitizzato in Africa.

Ofili è nato a Manchester, in Inghilterra, da genitori nigeriani. Quando nel 1992 gli fu concessa una borsa di studio del British Council, tuttavia, non si avventurò nel loro paese d’origine, ma nello Zimbabwe, nell’Africa meridionale. Lì, fu ispirato dai motivi astratti trovati nella pittura di San rock; questi segni grafici trovarono la loro strada negli sfondi vorticosi delle sue composizioni successive.

Nello Zimbabwe scoprì anche lo sterco di elefante, e sperimentò di usarlo come mezzo estetico, attaccandolo sulle superfici delle sue tele. Come ricordò in seguito, ” era un modo grossolano di portare il paesaggio nel dipinto”, così come un cenno alla storia dell’arte modernista attraverso lo status dello sterco come oggetto trovato.

L’anno successivo, tornato in Europa, Ofili era già al lavoro con il suo nuovo materiale. Ha messo in scena una performance a Berlino e Londra dal titolo Shit Sale, un cenno al Bliz-aard Ball Sale dell’artista americano David Hammons del 1983, e in seguito ha prodotto un lavoro su tela intitolato semplicemente Painting with Shit on It, da cui alla fine è emerso il suo stile maturo.

Combinare il piacere visivo con una pratica concettuale

Il lavoro di Ofili è tanto motivato formalmente quanto politico. L’artista non solo è tornato alla pittura, è tornato alla decorazione e al piacere visivo, in un momento in cui l’arte doveva rispettare l’estetica più cerebrale del postmodernismo. Forse la sua attrazione per colori sgargianti, materiali terrosi e superfici scintillanti, in coppia con i pali altamente concettuali del suo progetto, riflette un’altra fusione di sacro e profano, per quanto riguarda il conservatorismo del mondo dell’arte. Incorporando forme d’arte alte e basse, narrazioni storiche, religione e cultura pop, La Santa Vergine Maria rappresenta un’indagine più profonda di quanto lo spettacolo della Sensazione implicherebbe.

1. Citato in Jonathan Jones, “Paradise Reclaimed”, Guardian, magazine section, 15 giugno 2002.

2. Il museo di Brooklyn: Messing with the Sacred ” in Chris Ofili, Rizzoli, 2009, p. 84.

3. Chris Ofili, citato in Judith Nesbitt “Beginnings” in Chris Ofili, London: Tate Publishing, 2010, p. 15.

4. Chris Ofili,” La bellezza decorativa era una cosa tabù”, intervista a Mario Spinello, Geniale! Nuova arte da Londra, exh. gatto., Walker Art Center, Minneapolis, 1995, p. 67.