EN SAVOIR PLUS: Retour sur le divertissement en 1968″

Un effet secondaire imprévu mais monumental de cette poussée de croissance dans le monde du sport a été la floraison de l’ère du « rock d’arène”, une transformation du secteur des concerts qui a apporté des changements spectaculaires non seulement à la taille des salles hébergeant régulièrement les plus grands noms de la musique pop, mais à sa structure, son contenu et ses finances.

« Je dirais que les premiers concerts géants que nous avons donnés au Madison Square Garden et au Forum, c’était vraiment un comble de vivre cette adulation de masse”, a déclaré le batteur John Densmore des Doors. Le célèbre groupe de Los Angeles, qui jouait dans des clubs et de petits théâtres qui contenaient au plus 2 000 ou 3 000 fans, était en tête d’affiche au Forum le décembre. 14, 1968. C’était le deuxième concert de rock au Forum après que le magnat du sport Jack Kent Cooke ait dépensé 16 millions de dollars pour une nouvelle maison sur la côte Ouest pour son équipe de la NBA, les Lakers, et sa toute nouvelle franchise de la LNH, les Kings. La première était la performance d’octobre 1968 du power trio anglais Cream et l’acte d’ouverture Deep Purple. Cream, qui était en tournée d »adieu, a également été la tête d »affiche du premier concert rock du Madison Square Garden en novembre. 2, 1968.

Il ne fallut pas longtemps avant que d’autres musiciens de rock se rendent régulièrement dans des arènes pouvant accueillir 18 000 acheteurs de billets, ce qui signifie que les artistes pouvaient effacer autant en une seule nuit qu’ils l’avaient fait auparavant dans des théâtres de taille moyenne pendant une semaine, ou en un mois dans les boîtes de nuit.

Un groupe jouant dans un club peut rapporter de 750 à 1 000 dollars par soirée, ou de 5 000 à 10 000 dollars dans un théâtre de taille modeste. Mais avec les arénas, le brut potentiel a soudainement atteint 75 000 or ou même 100 000 a la nuit, alors que les billets coûtaient encore en moyenne 5 $.

Tout cet argent n’est pas allé aux artistes, bien sûr: les musiciens ont partagé la prise avec les promoteurs de concerts, les exploitants de bâtiments, les gestionnaires, les agents et autres. Mais la différence dans le nombre de fans de plus en plus nombreux à se rendre aux concerts a changé la donne.

« Certainement financièrement, c’était génial”, a déclaré Densmore dans une interview conjointe avec le manager du groupe à l’époque, Bill Siddons, qui a ensuite dirigé Crosby, Stills &Nash et d’autres rockeurs d’arène.

Initialement, les responsables de nouvelles installations telles que le Spectrum de Philadelphie (qui a ouvert ses portes en septembre 1967), le Forum (déc. 30, 1967) et la quatrième incarnation de la Madison Square Garden Arena de New York (Fév. 11, 1968), savaient qu’ils auraient un nombre important de soirées ouvertes à remplir lorsqu’il n’y aurait pas de matchs de la NBA ou de la LNH.

« Nous avons constaté que tout le teint de l’activité des arènes a changé”, a déclaré Claire Rothman, directrice générale de longue date du Forum dans les années 1970 et 80.

Elle a quitté le spectre de Philly pour l’ouest et est devenue l’une des rares femmes à diriger une arène sportive à cette époque. « Jusque-là there il n’y avait pas vraiment de méthode pour faire les spectacles de rock ‘n’ roll. Ils étaient davantage orientés vers des choses comme Holiday on Ice et le cirque. La musique rock était un tout autre monde. »

Concerts de longue durée

La musique rock elle-même a changé et s’est adaptée à ses nouveaux environnements.

Depuis les années 1950, les concerts de musique pop étaient généralement constitués de revues : plusieurs groupes jouant chacun des sets relativement courts se concentraient uniquement sur leurs plus grands succès radiophoniques. Il n’était pas rare que les numéros de soutien obtiennent 15 minutes ou moins sur scène. Même les têtes d’affiche fourniraient 20 ou peut-être 30 minutes de musique au maximum.

Mais l’avènement de nouveaux espaces pour les musiciens a à peu près coïncidé avec le passage dans le secteur de la musique du single 45 tours en tant que support dominant à l’album à longue durée 33 1/3 tours, ou LP.

Ce changement technologique a permis aux musiciens d’expérimenter l’expression créative, thématiquement et chronologiquement, une nouvelle liberté qui s’est perpétuée dans leurs spectacles.

Les groupes ont rapidement commencé à s’adapter et à élargir leurs présentations pour mieux jouer dans les grandes maisons. Ils se produisaient également pour un public qui mûrissait avec eux.

« Les Beatles ont cessé de tourner en 1966 pour diverses raisons, l’une étant qu’ils ne pouvaient pas entendre ce qu’ils jouaient”, a déclaré Craig Inciardi, conservateur et directeur des acquisitions du Rock and Roll Hall of Fame à Cleveland. « Leur public était en grande partie des adolescents, qui criaient si fort qu’ils ne pouvaient pas entendre la musique.

« Au moment où les Stones ont joué leurs premiers concerts à la fin de ’69 au nouveau Madison Square Garden, les choses avaient considérablement changé”, a déclaré Inciardi. « Ils étaient hors de la route depuis plus d’un an, leur public avait un peu grandi et ils sont revenus avec une nouvelle vision pour le groupe. C’était un spectacle plus long, avec une bien meilleure qualité sonore. En 69, vous avez fait jouer les Stones là-bas, Jimi Hendrix y a joué et a vraiment mis l’endroit sur la carte. »

Le Forum à l’ouest et le Madison Square Garden à l’est sont rapidement devenus des piliers du nouveau monde de l’arena rock. La plupart des plus grands noms du rock et de la pop se présentaient régulièrement aux deux : Elvis Presley, Bob Dylan &le groupe, Paul McCartney &Wings, Creedence Clearwater Revival, Barbra Streisand, Three Dog Night, Jethro Tull, the Jackson 5.

Peut-être le plus impressionnant, Led Zeppelin a joué au Forum un record 16 fois de 1970 à 1977, y compris un stand de six nuits dans ’ 77 avant la dissolution du légendaire groupe de hard-rock.

« C’est arrivé au point où c’était un point de prestige de jouer au Forum”, a déclaré l’ancien directeur général Rothman. « Les gens appelaient et disaient‘ « Avez-vous tel ou tel acte? »Ils ont commencé à penser que tous les actes qu’ils voulaient voir jouaient sur le Forum. »

Était plus grand mieux?

Les musiciens et groupes individuels ont rapidement découvert que ces concerts à grande échelle constituaient une nouvelle source de revenus importante, et non plus seulement des « apparitions promotionnelles » pour aider à stimuler les ventes d’enregistrements.

« Des groupes comme the Stones, par exemple, ont commencé à faire de meilleures offres et ont découvert que vous pouviez gagner de l’argent en tournée, et qu’il ne s’agissait pas seulement de soutenir un album”, a déclaré Inciardi. « Le rock se développait, il y avait une plus grande demande et c’est pourquoi beaucoup d’artistes musicaux finissent par jouer dans ces arènes de 20 000 places. Peut-être que cinq ans plus tôt, il y en avait très peu qui pouvaient le faire. La base de fans n’était pas encore là. »

Pour les artistes eux-mêmes, ”La majeure partie était tout simplement excitante », a déclaré Siddons, directeur de Doors, « Vous réaliseriez: « Wow, 15 000 personnes viendront nous voir, et nous pouvons le faire sans qu’il pleuve.’

Plus grand, cependant, ne se traduisait pas toujours par  » mieux. »

« Après un certain temps, ça a un peu vieilli”, a déclaré le batteur Densmore.  » Je pense que Jim en avait marre. Nous l’avons tous fait — mais surtout Jim. »

Siddons se souvient que Morrison ruminait sur les choses qui changeaient à mesure que les arènes devenaient plus courantes pour les spectacles de rock.

« L’une des citations les plus célèbres de Jim — et je n’ai peut—être pas tous les détails de la façon dont il a répondu quand les gens lui demandaient de jouer – mais c’était quelque chose comme: ”Plus la salle devient grande, plus le public devient grand et plus il faut être sur scène » », a déclaré Siddons. « Vous êtes le chaman et vous voulez que votre musique communique avec les gens dans tout le bâtiment. »

Ou comme le dit Densmore, « Il faut exagérer un peu plus à mesure que le public s’agrandit. »

Les Portes n’étaient guère seules à réaliser cette réalisation.

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« Ce n’était pas un frisson pour le groupe”, a déclaré Dennis McNally, porte-parole de longue date de Grateful Dead, à propos des années 1980 et au-delà, après que la suite enragée de ce groupe s’est étendue au point où jouer dans des arènes est devenu une nécessité pour répondre à la demande des fans.

Le guitariste, chanteur et compositeur principal de The Dead, Jerry Garcia « n’aimait pas jouer dans les stades en particulier », a déclaré McNally.  » Même les arènes, c’est toujours une question d’échelle.

« En parlant spécifiquement de jouer dans les stades, Jerry a dit qu’il fallait vraiment jouer jusqu’au dernier rang, et en faisant cela, votre musique devient caricaturale, elle ne peut pas être nuancée”, a rappelé McNally. « Cela doit être simple et clair pour arriver à la dernière rangée. Il perd de la subtilité. »

Un résultat a été une nouvelle génération d’artistes rock dont la musique correspondait à ces critères: Journey, Kansas, Foreigner, Toto, Bon Jovi et d’autres qui se sont spécialisés dans des chansons avec des refrains simples sur mesure pour les chansons de masse, même si elles n’étaient pas particulièrement innovantes musicalement. Mais ils ont bien joué devant de grandes foules dans de vastes espaces clos.

”Acoustiquement, une petite pièce intime est l’idéal”, a déclaré McNally. « Le fait est, est devenu le modèle en raison de l’économie. C’était un modèle qui était uniquement motivé par l’économie. »

Économie — et échelle physique.

« Les Stones par exemple, chaque fois qu’ils partaient en tournée, ils créaient un décor de scène différent à chaque fois”, a déclaré Inciardi du Rock Hall of Fame. « Des groupes comme Queen avaient une plate-forme d’éclairage géante classique qui faisait partie de leur iconographie. Certains groupes ont tout changé. »

En effet, les valeurs de production ont commencé à croître, les systèmes de son se sont agrandis, les effets de lumière sont devenus plus éblouissants, les costumes sont souvent devenus plus scandaleux alors que les interprètes essayaient de capter et de retenir l’attention des fans, dont beaucoup étaient assis à des dizaines ou des centaines de mètres, plutôt qu’à distance de crachement.

Jouer de la musique en direct est devenu moins comme l’utilisation subtile de l’expression faciale d’un acteur qui est possible dans les films, et plus comme les grands gestes et la projection vocale en plein essor d’agir dans une pièce de théâtre dans un immense théâtre de Broadway.

« C’est un bon parallèle”, a déclaré Densmore. « Un film serait comme faire un enregistrement — ou jouer dans un théâtre de 60 places. »

Les concerts de rock sont devenus des affaires de plus en plus élaborées. Le célèbre logo lèvres avec langue étendue des Rolling Stones a été déployé en 1969 et a été affiché de manière de plus en plus grande lors des tournées suivantes.

D’autres accessoires à grande échelle sont devenus plus courants, ajoutant à la fois à l’impact visuel et au fardeau financier de la mise en scène de grandes tournées.

En 1977, l’Electric Light Orchestra d’Angleterre utilisait une maquette de vaisseau spatial grandeur nature sur scène avec des lumières laser, des effets pyrotechniques et des quantités prodigieuses de brouillard sur scène lors de sa tournée « Out of the Blue” des arènes sportives.

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Le billet de 100 $

Une caractéristique des spectacles de rock qui les rendait attrayants pour les exploitants d’arène était qu’ils étaient généralement des stands d’un soir. En tant que tels, ils pourraient être placés facilement entre le basketball et le hockey.

”C’était une partie si importante de votre capacité à créer suffisamment de revenus pour effectuer le paiement de votre hypothèque ou quoi que ce soit », a déclaré Rothman.  » Pour qu’une arène soit viable, il faut quelques centaines de nuits par an pour survivre. Chacune des équipes ne pouvait vous donner que 46 nuits, et puis si elles n’étaient pas en séries éliminatoires we à Philadelphie, nous avions à la fois du hockey et du basketball. Mais ensemble, ils ne représentaient que 82 nuits dans l’année. L’activité arena ressemble beaucoup à l’hôtellerie: une nuit noire est un revenu perdu à jamais. »

Pendant la majeure partie des années 1970 et jusque dans les années 80, les prix des billets n’ont augmenté que modestement. Les billets pour la tournée « Darkness on the Edge of Town” de Springsteen en 1978 ne coûtaient encore que 8,50 $ lorsqu’il s’est arrêté au Forum.

« J’étais tout nouveau à San Francisco quand j’y ai déménagé à l’automne 76”, se souvient McNally de the Dead, « et comment nous avons gémi au prix de ”The Last Waltz » », a-t-il déclaré, en référence à l’événement d’adieu à la tournée organisé par le Groupe, auquel se sont joints Bob Dylan, Joni Mitchell, Eric Clapton, Muddy Waters, Ringo Starr, Neil Young, Van Morrison, Neil Diamond, Dr. John et plusieurs autres.

« Le prix était de 25 $, ce qui était à l’époque beaucoup d’argent”, a-t-il déclaré. « Que paieriez-vous maintenant pour une programmation comme celle-là? »

Deux décennies après l’ère de l’arena rock, les Rolling Stones n’ont augmenté la mise qu’à environ 30 $ pour la valeur nominale d’un billet prime pour leur tournée Steel Wheels tour de 1989-90, qui a rapporté un peu moins de 100 millions de dollars et a détenu le record de tournée la plus rentable de l’histoire du rock pendant plusieurs années.

Le grand changement à la hausse des prix des billets a commencé en 1994, lorsque les Eagles réunis ont lancé la tournée « Hell Freezes Over” du groupe dans les arènes, les amphithéâtres et les stades. C’était la première fois qu’un acte facturait 100 per par siège, une décision qui a indigné de nombreux fans, mais aussi des promoteurs et d’autres initiés du secteur de la musique.

Aujourd’hui, les prix dans la gamme à trois chiffres ne sont pas inhabituels, surtout lorsqu’ils sont vendus par des points de vente secondaires.

L’une des tournées les plus chaudes de 2018 est la tournée « Reputation” de Taylor Swift, pour laquelle elle et le promoteur Live Nation tentent une nouvelle stratégie consistant à fixer les meilleures places en fonction de ce que le marché supportera, plutôt qu’un prix bas prédéterminé qui détourne les billets – et les revenus de vente — vers les courtiers plutôt que vers les artistes.

« À l’été 1995, qui était notre dernière tournée, nous sommes sortis et le trafic s’est ouvert pour nous, et le trafic n’était pas bon marché”, a déclaré McNally. « Nous avons facturé 30 a le billet, et c’était la première fois que nous franchissions la barre des 30 mark, et beaucoup d’entre nous se sont dit: « Ce n’est pas bien, c’est trop. » Nous étions fiers. Vous pouvez traiter vos fans comme une famille, ou vous pouvez les traiter comme du bétail qui porte des portefeuilles. »

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