Lorsque Chostakovitch a joué les deux premiers mouvements de sa Septième Symphonie à ses amis dans la ville assiégée de Leningrad à l’été 1941, sa performance a été interrompue par un bombardement allemand. Alors que les sirènes des raids aériens commençaient à retentir après qu’il eut fini de jouer le gigantesque premier mouvement – musique qui dramatise, parodie et immortalise l’invasion allemande –, il assura à son public qu’il reviendrait jouer le second dès que l’avertissement aurait cessé et qu’il aurait emmené sa femme et ses enfants au refuge. Comme l’a écrit plus tard l’un de ses auditeurs ce jour-là, le critique et compositeur Valérian Bogdanov-Berezovsky, la Septième Symphonie « est un exemple extraordinaire de réaction créative synchronisée et instantanée aux événements tels qu’ils sont vécus, transmis sous une forme complexe et à grande échelle, mais sans le moindre soupçon de compromettre la norme du genre”.

L’histoire de The Seventh est l’une des plus étonnantes de l’histoire de la musique. La première représentation complète à Leningrad (aujourd’hui Saint-Pétersbourg) a été donnée en août 1942 par un orchestre à moitié affamé, dont l’état émacié est symbolisé par le batteur Dzaudhat Aydarov, littéralement sauvé des morts. On pensait déjà qu’Aydarov était un cadavre, mais le chef d’orchestre désespéré, Karl Eliasberg, s’est rendu à la morgue pour s’en assurer – et a découvert ce cadavre supposé bouger et respirer. Aydarov a sans doute joué le rôle le plus exigeant dans la symphonie, jouant du tambour latéral qui bat le rythme implacable de la guerre au cœur du premier mouvement.

L’héroïsme et l’humanité des histoires associées à la Symphonie ”Leningrad » sont révélés par le témoignage de deux femmes qui étaient dans le public dans la Grande Salle de la Philharmonie en août 1942. Olga Kvade et Tamara Korol’kevich – toutes deux aujourd’hui dans les années 90 – parlent à Amanda Vickery dans notre film, Leningrad et l’Orchestre qui a Défié Hitler, et leurs récits sont indélébiles. Ils ont entendu la tragédie et la souffrance de leurs propres expériences du siège transmuées en épopée symphonique, mais ils ont également reconnu leurs espoirs désespérés, leur courage individuel et leur résistance collective dans les sons finaux, extrêmement intenses, de la victoire tant attendue.

La pièce a également une signification particulière pour la biographie de Chostakovitch et pour le contexte plus large de la musique du XXe siècle. Il reflète son pouvoir de propagande en tant que compositeur soviétique, écrivant les sons de la résistance aux nazis en même temps qu’il sauvait le Conservatoire de Leningrad des bombes incendiaires allemandes en tant que pompier sur le toit du bâtiment. Chostakovitch a été évacué de Leningrad avec sa famille en octobre 1941 et a composé le finale de la Septième à Kouïbychev (où la pièce a été créée), mais l’idée du pompier Chostakovitch, qui ne s’est pas épargné de la ligne de défense de front mais a également composé la bande-son de la résistance alliée, s’est avérée irrésistible. C’était l’image qui ornait la couverture du magazine Time à l’été 1942, alors que la symphonie se lançait dans une tournée dans un monde en guerre.

Lorsque Henry Wood et Arturo Toscanini ont dirigé des performances pour la BBC à Londres et NBC à New York, diffusées à des millions de foyers alliés, Chostakovitch était un symbole de défiance politique et culturelle internationale. Qu’un compositeur puisse écrire une symphonie de cette envergure, de cette ambition et de cette intégrité alors qu’une ville était bombardée et affamée était interprété par les auditeurs comme la preuve que les nazis ne gagneraient pas, ne pourraient pas gagner en Russie.

Ou c’est le récit conventionnel. Mais la réception du Septième n’était pas universellement élogieuse. Le critique et compositeur américain Virgil Thomson a déclaré que la symphonie « semble avoir été écrite pour les lents, les peu musicaux et les distraits », définissant une sorte de composition qui pourrait ”éventuellement disqualifier pour être considérée comme un compositeur sérieux ». Les compositeurs exilés aux États-Unis n’étaient pas impressionnés non plus. Rachmaninov a réagi en disant: « Eh bien, et maintenant prenons un thé », mais Béla Bartók est allé plus loin que l’apathie et l’indifférence. Jouée plus de 60 fois aux États-Unis en une seule année, la symphonie était devenue incontournable et incontournable. Bartók a répondu en envoyant le soi–disant ”thème de l’invasion » dans le premier mouvement – l’air simple qui se fraye un chemin à travers des centaines de mesures, devenant de plus en plus brutal, sans cervelle et terrifiant à chaque répétition – dans son Concerto pour orchestre de 1943.

Toutes ces critiques, qui se poursuivent aujourd’hui – le compositeur et écrivain Robin Holloway, par exemple, décrit Chostakovitch comme « une musique à réveiller les foules, à voir de loin comme des slogans en lettres de 30 pieds de haut, une musique sans nécessité musicale intérieure” – découlent d’une interprétation particulière de Chostakovitch : sa crudité de composition, ses contrastes supposés simplistes de matière, de couleur et de texture, et son désir sans vergogne de communiquer.

Pourtant, il y a une profonde sophistication dans ce que fait Chostakovitch dans cette pièce, précisément aux moments où ses surfaces semblent les plus banales. L’air innocent mais insidieux qui souffle le premier mouvement est conçu pour être aussi banal que possible. C’est une image de la façon dont l’idée la plus médiocre et la plus irréfléchie – ou la personne – peut infliger la plus grande dévastation. Chostakovitch révélait et réalisait une vérité durable de toutes les tyrannies idéologiques. Comme il l’a dit à un ami après avoir terminé la symphonie, l’un de ses thèmes est « le fascisme. Mais la musique, la vraie musique, ne peut jamais être littéralement liée à un thème. Le national-socialisme n’est pas la seule forme de fascisme; cette musique parle de toutes les formes de terreur, d’esclavage, de servitude de l’esprit. »

Alors que les trois premiers mouvements ont été écrits rapidement, le finale a pris plus de temps. La symphonie s’efface devant sa victoire finale, ses derniers moments presque aussi durement gagnés pour le public de la salle de concert que pour le compositeur. Cela signifie que la fin de la pièce n’est pas une simple célébration, car il y a des échos de la lutte du reste de la symphonie même dans les mesures finales, comme si cette victoire ne pouvait pas être complète alors qu’elle a coûté si cher.

Ce qui est exactement ce qu’il a prouvé pour Chostakovitch et l’Union soviétique après la fin du siège de Leningrad en 1944 et la Grande Guerre patriotique, comme l’appellent les Russes, un an plus tard. Le travail de Chostakovitch a été interdit en 1948. Cependant, Josef Raiskin, qui a entendu la première de la Symphonie ”Leningrad » dans son enfance à Kuibyshev en 1942, se souvient que ses camarades de classe, au mépris de leur professeur, ont commencé à taper sur le rythme du thème de l’invasion sur leurs bureaux. Quelles que soient les tentatives du régime de faire disparaître la musique de Chostakovitch, elle ne pouvait être réduite au silence dans le cœur et l’esprit des Russes.

Et malgré les critiques, il ne peut pas être réduit au silence dans nos salles de concert non plus. La Symphonie ”Leningrad » reste une révélation unique d’un chapitre de l’histoire du XXe siècle. Mais il trouve de nouvelles significations, interprétations et pertinence au 21ème siècle. La symphonie n’appartient pas seulement à la ville à laquelle elle est dédiée, elle est aussi la nôtre.

• Leningrad et l’Orchestre qui a défié Hitler est sur BBC2 le 2 janvier à 21h10.

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