Chris Ofili, La Sainte Vierge Marie, 1996, collage de papier, peinture à l’huile, paillettes, résine polyester, épingles de carte &bouse d’éléphant sur lin, 243,8 x 182.9 cm © Chris Ofili

Sensation

Lorsque la collection personnelle du directeur de la publicité et collectionneur d’art britannique Charles Saatchi est partie en tournée dans une exposition intitulée Sensation en 1997, les spectateurs auraient dû savoir se préparer à la controverse. L’exposition présentait une section transversale du travail choquant d’une nouvelle génération impétueuse de « Jeunes artistes britanniques”, y compris, par exemple, le portrait de Myra Handley, meurtrière condamnée par Marcus Harvey, et des tableaux sculpturaux pornographiques de Jake et Dinos Chapman. À Londres, le musée a fait l’objet de piquets de grève dès le premier jour, mais l’attention des médias a finalement entraîné des tournages record.

En octobre 1999, Sensation a ouvert ses portes au Brooklyn Museum of Art, où c’est la peinture emblématique de Chris Ofili, La Sainte Vierge Marie, qui a suscité le débat le plus houleux. Le maire Rudy Giuliani a menacé de fermer l’institution financée par la ville au motif que cette œuvre était offensante pour les téléspectateurs religieux. Deux mois plus tard, le tableau, qui repose sur deux grosses boules de bouse d’éléphant, a été profané par un visiteur âgé qui a enduit de peinture blanche sur sa surface, affirmant que l’image était « blasphématoire. »

À première vue, il semble facile de discerner pourquoi le tableau a soulevé quelques sourcils: l’inclusion de la vraie merde et de la pornographie collagée pourrait suffire à offenser les téléspectateurs conservateurs. Cependant, le travail d’Ofili est plus nuancé qu’il n’y paraît à ses détracteurs; l’œuvre réfléchit sur les précédents historiques de l’art tout en abordant la politique identitaire, la religion et la culture pop. Pour saisir sa complexité, il faut regarder sous la surface — aussi éblouissante et choquante soit-elle.

Iconique ou iconoclaste ?

Sur un fond doré scintillant composé de points de peinture et de paillettes soigneusement placés, la figure centrale de la peinture d’Ofili regarde directement son spectateur, les yeux écarquillés et les lèvres écartées. Sa robe bleue coule du haut de sa tête jusqu’à la base amorphe de son corps, s’ouvrant pour révéler une boule laquée de bouse d’éléphant où se trouverait sa poitrine. Des images collées des fesses des femmes entourent la Vierge; découpées dans des magazines pornographiques, elles deviennent des formes abstraites, presque décoratives qui refusent de signifier jusqu’à ce qu’elles soient confrontées de près. Les deux boules de bouse sous la toile sont ornées de lettres scintillantes qui indiquent le titre de l’œuvre.

Formellement, l’utilisation de l’or et la Vierge en façade lient l’œuvre à des icônes médiévales, rendant la vulgarité des images pornographiques d’autant plus criante. Pourtant, l’artiste affirme que le sacré et le profane ne sont pas toujours opposés, même dans l’art religieux traditionnel:

En tant qu’enfant de chœur, j’étais confus à l’idée d’une sainte Vierge Marie donnant naissance à un jeune garçon. Maintenant, quand je vais à la National Gallery et que je vois des peintures de la Vierge Marie, je vois à quel point elles sont sexuellement chargées. Le mien est simplement une version hip hop.

Race, religion et représentation

C’est peut-être la déclaration finale d’Ofili ci-dessus qui indique la source des angoisses de ses critiques. Comme l’a expliqué Carol Becker, Ofili « transforme la Sainte Vierge en une image exubérante et folklorique. (…) probablement le plus controversé de tous, il a fait sa propre représentation de la Vierge, défiant la tradition.”La « bouche africaine parodique” et les traits faciaux exagérés attirent l’attention sur les stéréotypes raciaux, ainsi que sur la blancheur assumée des figures bibliques dans les représentations occidentales. L’icône d’Ofili nous demande de confronter la possibilité d’une Vierge Marie noire. D’autres œuvres expriment plus explicitement l’intérêt d’Ofili pour la culture noire: des peintures comme la série Afrodizzia et No Woman No Cry font référence non seulement au hip-hop et au reggae, mais aussi à la politique raciale contemporaine.

Le triomphe de la peinture

Si ses œuvres rendent hommage à des célébrités noires emblématiques telles que James Brown, Miles Davis et Muhammad Ali, elles concernent tout autant l’acte de peindre. Avec leurs motifs psychédéliques, leurs couleurs vives et leurs surfaces texturées, les images expriment le désir d’Ofili de « se perdre le plus profondément possible dans le processus de peinture et la peinture elle-même. »

Dès ses débuts, l’artiste se passionne pour le médium, alors même que la peinture devient de plus en plus populaire dans le sillage du postmodernisme. Il s’est inscrit à la Chelsea School of Art où il a développé un style expressionniste, mais son travail a vraiment commencé à mûrir après un voyage souvent mythifié en Afrique.

Ofili est né à Manchester, en Angleterre, de parents nigérians. Cependant, lorsqu’il a reçu une subvention du British Council en 1992, il ne s’est pas aventuré dans leur pays d’origine, mais au Zimbabwe, en Afrique australe. Là, il s’est inspiré des motifs abstraits de la peinture rupestre de San; ces marques graphiques ont trouvé leur chemin dans les arrière-plans tourbillonnants de ses compositions ultérieures.

Au Zimbabwe, il a également découvert la bouse d’éléphant et a expérimenté son utilisation comme médium esthétique, la collant sur les surfaces de ses toiles. Comme il l’a rappelé plus tard, « c’était une façon grossière d’introduire le paysage dans la peinture”, ainsi qu’un clin d’œil à l’histoire de l’art moderniste à travers le statut de bouse en tant qu’objet trouvé.

L’année suivante, de retour en Europe, Ofili était déjà au travail avec son nouveau matériel. Il a mis en scène une performance à Berlin et à Londres intitulée Shit Sale, un clin d’œil à la vente de balle Bliz-aard de l’artiste américain David Hammons en 1983, et a ensuite produit une œuvre sur toile simplement intitulée Painting with Shit on It, d’où son style mature a finalement émergé.

Alliant plaisir visuel et pratique conceptuelle

Le travail d’Ofili est aussi formel que politique. L’artiste n’est pas seulement revenu à la peinture, il est revenu à la décoration et au plaisir visuel, à une époque où l’art était censé se conformer à l’esthétique plus cérébrale du postmodernisme. Son attirance pour les couleurs vives, les matériaux terreux et les surfaces scintillantes, associée aux enjeux hautement conceptuels de son projet, reflète peut-être un autre mélange de sacré et de profane, en ce qui concerne le conservatisme du monde de l’art. En incorporant des formes d’art hautes et basses, des récits historiques, de la religion et de la culture pop, La Sainte Vierge Marie représente une enquête plus profonde que le spectacle de la Sensation ne l’impliquerait.

1. Cité dans Jonathan Jones,  » Paradise Reclaimed « , Guardian, section magazine, 15 juin 2002.

2. Carol Becker,  » Musée de Brooklyn: Jouer avec le Sacré » dans Chris Ofili, Rizzoli, 2009, p. 84.

3. Chris Ofili, cité dans Judith Nesbitt « Beginnings » dans Chris Ofili, Londres : Tate Publishing, 2010, p. 15.

4. Chris Ofili, « La Beauté Décorative était une chose Taboue », entretien avec Mario Spinello, Brillant! Nouvel Art de Londres, exh. chat., Centre d’art Walker, Minneapolis, 1995, p. 67.