George Speaight définit l’histoire du cirque comme « l’histoire de ce divertissement de compétences corporelles humaines et d’animaux dressés qui est présenté dans un anneau d’environ 13 mètres de diamètre avec un public regroupé tout autour. »La forme de divertissement populaire connue sous le nom de cirque s’est développée en Angleterre autour des numéros de chevaux.

Bien que les expositions zoologiques itinérantes (connues sous le nom de ménageries), les acrobates et les numéros d’animaux de compagnie soient toutes des caractéristiques du divertissement au XVIIIe siècle et avant, c’est la combinaison de ces caractéristiques au sein d’une structure circulaire qui est devenue connue sous le nom de cirque. Philip Astley (1742-1814), le fondateur du cirque moderne, a organisé un spectacle à Londres en 1768 avec de l’équitation et de la musique en direct. Il a été présenté dans une structure circulaire et nommé amphithéâtre d’Astley. Il ajouta plus tard d’autres numéros, tels que des acrobates, un clown et un groupe à ses performances. Cependant, le terme « cirque » pour décrire ce type d’exposition a été inventé par le contemporain et rival d’Astley, Charles Dibdin, qui a ouvert le Royal Circus à Londres en 1772.

Le terme de Dibdin a été utilisé internationalement pour décrire le mélange d’équitation, de tours comiques et d’actes animaliers programmés comme un spectacle théâtral. En 1793, John Bill Ricketts ouvre le premier cirque de type Astley aux États-Unis à Philadelphie. Le cirque de Ricketts comportait un déambulateur, un clown et des numéros d’équitation. Au début du XIXe siècle, la majorité des premiers cirques en Amérique et en Europe fondaient leurs actes sur des idées formulées par Philip Astley.

Au milieu de l’ère victorienne, les cirques ambulants étaient devenus de grandes préoccupations commerciales allant des petites entreprises de tentes aux gigantesques entreprises logées dans des bâtiments permanents ou des amphithéâtres. Pendant la première moitié du XIXe siècle, le cirque était en grande partie joué dans des bâtiments en bois plutôt que dans des tentes et des propriétaires tels que Frederick « Charles » Hengler construisirent des bâtiments spécialement conçus connus sous le nom d’hippodromes, de cirques et d’amphithéâtres dans des villes du Royaume-Uni.

Hengler était l’un des plus grands propriétaires de cirque du XIXe siècle. Il était équestre, musicien, artiste polyvalent et gérant du cirque de son frère Edward. Le cirque de Hengler était d’abord une préoccupation de tournée, mais à partir des années 1850, Charles ouvrit des sites de cirque permanents à Glasgow, Dublin, Hull, Birmingham et Bristol et organisa ses spectacles depuis son siège social à Liverpool.

L’idée d’utiliser des tentes en toile pour des spectacles en plein air a été importée d’Amérique dans les années 1840.Au moment où Hengler ouvrait son bâtiment de cirque à Liverpool, le cirque américain de Howe et de Cushing annonçait que « Les tentes prennent maintenant le pas sur les salles de marbre. »Dans les années 1850, les cirques en Amérique et au Royaume-Uni avaient déjà bon nombre des éléments qui leur sont associés aujourd’hui. Les cirques américains établis avant la guerre de Sécession (1861-1865) comprenaient le Cirque de Dan Rice, le Cirque de Van Amburgh, le Cirque de Spalding & Rogers Circus, et le Cirque américain de Howe et Cushing. Au milieu du XIXe siècle, le cirque européen et américain a commencé à diverger de style et de structure. Le cirque britannique et européen était basé sur le principe Astley d’un seul anneau. Bien que les actes joués sur le ring soient devenus plus innovants et complexes, le concept est resté le même.

Aux États-Unis, cependant, la croissance des nouveaux chemins de fer dans les années 1870 a permis aux spectacles de cirque de parcourir de grandes distances à une échelle jamais vue auparavant et les grands spectacles ferroviaires sont nés. Pour accueillir les plus grandes assistances, les propriétaires de cirque ont ajouté des anneaux supplémentaires avec de plus grandes tentes, ou des hauts. Le spectacle de cirque est devenu un événement avec une grande distribution d’artistes, des animaux plus extravagants, des numéros de production et des spectacles parallèles. Le train de cirque de Barnum et Bailey comprenait entre soixante et soixante-dix wagons.

Au fur et à mesure que le cirque évoluait, le programme aussi. Les numéros du cirque victorien comprenaient des performances aériennes telles que la corde serrée et le trapèze, l’équitation, des numéros au sol tels que des acrobates incorporant des nouveautés telles que le numéro de perche et l’échelle détachée, la jonglerie et bien sûr le clown. La combinaison de montrer des animaux sauvages dans la tradition de la ménagerie avec des tours et des routines a conduit à l’essor du cirque animalier incorporant l’apprivoisement des lions, des actes d’éléphants aux côtés de prouesses d’équitation. Les artistes de cirque sont devenus des noms familiers. L’artiste de corde serrée le plus célèbre était Blondin qui a traversé les chutes du Niagara en 1859. Cependant, la plus grande innovation est peut-être le trapèze volant, introduit pour la première fois par Jean Justaucorps au Circque d’Hiver à Paris en 1859.

À la fin du XIXe siècle, le cirque était une forme établie et populaire de divertissement familial, l’aristocratie du divertissement itinérant. La reine Victoria a invité une gamme de forains de cirque, y compris P.T. Barnum, à se produire pour la famille royale à Windsor et à Balmoral à partir des années 1840 et ce patronage royal a assuré sa place à la fois comme forme d’art et comme l’une des formes de divertissement les plus populaires exposées pendant son règne.

Depuis cette période propice à la fin du XVIIIe siècle, le cirque a voyagé, développé et incorporé beaucoup plus d’éléments, chaque génération de showmen de cirque stimulant et innovant la forme d’art. Les forains qui figurent en grande partie dans les collections de la NFCA ont deux points communs. Premièrement, aucun d’entre eux ne venait de milieux traditionnels du cirque. Deuxièmement, chacun a joué un rôle clé dans l’expansion du concept de cirque, apportant ainsi l’expérience du cirque à de nouveaux publics. Chacun d’eux a défini le cirque pour sa génération. En commençant par le Père du Cirque, Philip Astley, nous passons aux deux grands forains du XIXe siècle, Lord George Sanger, qui a fait plus que tout autre pour élargir l’attrait du cirque au Royaume-Uni et P.T. Barnum, showman suprême.

Le cirque du XXe siècle est dominé par trois personnalités majeures, chacune ayant défini la forme d’art de sa génération. Bertram Mills, qui est entré dans l’entreprise à la suite d’un pari, le forain Billy Smart, qui a acheté un cirque à la stupéfaction de sa famille et enfin Gerry Cottle, un fils de courtier en valeurs mobilières de Londres. Leurs histoires démontrent que le cirque a toujours été l’endroit où les plus talentueux peuvent s’enfuir.

Le cirque d’aujourd’hui intègre la danse et les nouveaux médias, est joué avec ou sans animaux et peut même contenir une structure narrative basée sur une pratique théâtrale immersive. Le cirque moderne ne se limite pas au concept d’un anneau de treize mètres de diamètre avec un public regroupé autour de lui, mais un aspect devrait distinguer tous les cirques: il doit toujours intégrer en son cœur des compétences corporelles humaines exceptionnelles poussées à l’extrême pour la satisfaction et le divertissement du public.

La NFCA tente de couvrir tous les aspects de l’évolution de cette grande et merveilleuse forme d’art au cours des trois derniers siècles. Les dons récents ont étendu nos collections à la naissance du cirque contemporain ou nouveau, aux côtés des spectacles plus traditionnels. Nos collections internationales d’affiches et de programmes couvrent l’histoire du cirque du XIXe siècle à nos jours.