Als ich überlegte, in welchen Kunstmusikkomponisten ich diese Woche eintauchen sollte, wurde ich überwältigt von den unendlichen Details, die eine der wesentlichen Fragen des Kurses umhüllen,

„Was gilt als wahre und authentische amerikanische Musik?“?”.

Nach fast 2 1/2 Monaten Recherche und Vorträgen habe ich immer noch das Gefühl, kaum an der Oberfläche dessen gekratzt zu haben, was den amerikanischen Sound ausmacht. Nehmen wir zum Beispiel MacDowell, der das Gefühl hatte, die wahre Essenz der amerikanischen Landschaft einzufangen, indem er auf die romantisierte Vorstellung der „sterbenden“ indianischen Stämme setzte. Oder Gershwin, der, während er erfolgreich die musikalische Sprache des Jazz in eine symphonische Umgebung übertrug, sich weitgehend von traditionellen Blues-, Folk- und Jazzgenres entlehnte und pieces schuf, die durch eine vielfältige und verschwommene Sammlung von Hintergründen und Identitäten definiert sind. Selbst Künstler, die erweiterte Techniken praktizierten, wie Henry Cowell, stützte sich bei seinen Tonclustern und „verschwindenden Akkorden“ auf ostasiatische Einflüsse.“Dieser Denkprozess führte mich schließlich in das Jahr 1952, als der amerikanische Experimentalkomponist John Cage ein Musikstück mit dem Titel 4’33“ komponierte. Das ebenso berühmte wie umstrittene Stück dreht sich um drei Sätze (für jedes Instrument oder jede Kombination von Instrumenten), die aus vier Minuten und dreiunddreißig Sekunden Stille bestehen. Während auf einer Oberflächenebene dieses Stück leicht als Witz beschrieben werden könnte (oder sogar als ein frühes Beispiel dafür gesehen werden, was die Kinder jetzt „Meme“ nennen), denke ich, dass Cages Absichten dahinter möglicherweise die stille Arbeit in den Vordergrund dieser gefürchteten und geladenen wesentlichen Frage stellen könnten.

Live-Performance von 4’33“: https://www.youtube.com/watch?v=JTEFKFiXSx4

In einer Reihe von überarbeiteten Briefen und Interviews von Richard Kostelanetz stellt Cage den Zweck von 4’33“ vor und definiert ihn:

„Sie wissen, dass ich ein Stück namens 4’33“ geschrieben habe, das keine eigenen Geräusche enthält …4’33“ wird in der Aufführung zu den Geräuschen der Umgebung.“

Anstatt aus Gründen der Originalität zu schreiben, komponierte Cage ein Stück, das weder vom Komponisten noch vom Publikum Klänge empfängt und beide im Idealfall nur zu Beobachtern ihrer Umgebung macht. Es steht exemplarisch für eine Bewegung hin zur Musik, die sich hinter „nichts“ verbirgt, und die Akzeptanz von nicht-intentionalen Klängen in einem künstlerischen Umfeld. Während andere amerikanische Komponisten, einschließlich der oben genannten, musikalische Elemente aus einem vielfältigen Klanghintergrund entlehnt und weiterentwickelt haben (was häufig zu einem unbeabsichtigten Akt der kulturellen Aneignung führte), war Cage der erste amerikanische Komponist, der einen künstlerischen Raum schuf, der eine „Umgebung“ des Klangs erfasst, die frei von rassischen oder ethnischen Verstößen ist.

Das soll nicht heißen, dass Cage sich im Laufe seiner Karriere als frei von kulturellen Brüchen betrachten könnte (oder dass diese Komponente der Komposition intrinsisch negativ ist), aber 4’33“ ist ein interessantes Beispiel dafür, wie sich ein Komponist vorübergehend von dieser Realität distanziert. Leider hielt Cage selbst 4’33 “ für einen erfolglosen Versuch, ein nicht dualistisch strukturiertes Musikstück zu machen (da er bestimmte „Grenzen“ des Stücks schuf und festlegte), aber es ist sicherlich, wenn nicht etwas anderes, ein lobenswertes Beispiel dafür, wie Musikhörer einen Schritt zurücktreten sollten aus der Welt der Symphonien und Sonaten und genießen Sie die natürlichen, unbestimmten Klänge der Welt um sie herum.