Michelangelo, Raffael und Leonardo da Vinci waren der Kern der florentinischen Kunst des fünfzehnten Jahrhunderts. Erwähnenswert ist auch der Maler und Historiker Giorgio Vasari, dessen Leben der hervorragendsten Maler, Bildhauer und Architekten erstmals 1550 veröffentlicht wurde und dessen vergrößerte Ausgabe 1568 erschien. Schließlich gab es Michelangelos engen Freund und ersten Biographen, Ascavio Condivi. Was auch immer die Mängel der Werke dieser beiden Männer sind, sie bieten einen unschätzbaren Einblick in die florentinische Renaissance und die Menschen, die sie ermöglicht haben.Michelangelo und Da Vinci zeichneten sich als starke und mächtige Persönlichkeiten mit zwei unversöhnlich entgegengesetzten Einstellungen zur Kunst aus – doch zwischen ihnen besteht ein Band tiefen Verständnisses. Da Vinci war zwanzig Jahre älter als Michelangelo und jeder hatte seine eigene Vision von Kunst. Ihre erbitterte Unabhängigkeit führte zu Zusammenstößen, wenn Umstände, wie gleichzeitige Aufträge für Karikaturen des Palazzo Vecchio, sie von Angesicht zu Angesicht brachten. Aus Donatello und Verrocchio hatte Da Vinci seinen Sfumato-Stil entwickelt, der am besten als „Mischen von Licht und Schatten ohne Merkmal oder Zeichen, wie Rauch“ definiert und am besten in der Mona Lisa im Louvre von Paris bezeugt wurde. Es erhält verschwommene Konturen und dunkle Farben, im Gegensatz zu Michelangelos Technik, die in seinem Doni Tondo (auch bekannt als Die Heilige Familie) in den Uffizien in Florenz zu sehen ist. Da Vinci verbrachte Jahre unter Verrocchio, während Michelangelo nur ein Jahr in der Ghirlandaio-Werkstatt verbracht hatte, bevor er unter Bertoldo studierte: Michelangelo sah sich in erster Linie als Mann, der Stein bearbeitete.Für Da Vinci war das wesentliche Anliegen die lange Suche nach der Wahrheit, während Michelangelo sein ganzes Leben lang von der Bedeutung der Kunst selbst verfolgt wurde. Beide hatten Leichen seziert, um Anatomie zu lernen, aber aus verschiedenen Gründen: Da Vinci wollte die Wahrheit einer Geste wiedergeben, um Handlung und Emotion besser darzustellen, während Michelangelo einfach ein fest verdrahtetes Interesse daran hatte, Akte herzustellen – Da Vinci malte nie Akte. Michelangelos David, der in Contrapposto steht, ist das direkte Ergebnis seiner anatomischen Studien. Kurz gesagt, die Anatomie betraf die beiden Größen sehr unterschiedlich.
Diese beiden Rivalen hatten auch eine Vorliebe für non finito, die Aufgabe Kunstwerke im Gange. Da Vinci würde regelmäßig Leinwände aufgeben, während Michelangelo Skulpturen aufgeben würde.
Da Vinci fügt Non Finito in Sfumato ein, bis sie schwer zu unterscheiden sind, während in Michelangelo non finito in seinen Gemälden nur noch seltener vorkommt. Entweder Michelangelo gab ein Werk auf Druck anderer Aufträge auf oder er spielte bewusst mit einer neuartigen Form besonders dynamischer und expressiver Kunst. Nachdem er ein Modell gemacht hatte, wandte er sich unregelmäßig der eigentlichen Statue zu, wobei hyperaktive Raserei ihn durch einige Sitzungen und kühle Distanz durch andere antrieb. Die Wut, die er auf Marmor schleuderte, würde den Überschuss verringern und die Seele des Steins befreien, aber er folgte nicht immer durch; non finito war ein Spin-off seines außergewöhnlichen kreativen Talents. Anstatt seine Vorgänger in der christlichen figurativen Malerei nachzuahmen, entschied er sich, in Stein zu beginnen. Er malte sogar sein Tondo Doni, als wäre es ein Werk aus Stein. Als Papst Julius II. ihm den Auftrag für die Decke der Sixtinischen Kapelle überreichte, hofften Bramante, Raphael Sanzio und andere Rivalen, dass er sich daraus befreien würde. Und doch machte er daraus einen Erfolg! Am Ende zeigte Michelangelo auch hervorragende Leistungen in der Malerei. Wenn es um Architektur ging, hatte Michelangelo die Reife erlangt, Bramantes Art, Gebäude mit Dimensionen zu befähigen, die denen des menschlichen Körpers proportional waren, zu integrieren.