Als Schostakowitsch im Sommer 1941 in der belagerten Stadt Leningrad seinen Freunden die ersten beiden Sätze seiner Siebten Symphonie vorspielte, wurde sein Auftritt durch ein deutsches Bombardement unterbrochen. Als nach Beendigung des gigantischen ersten Satzes – Musik, die die deutsche Invasion dramatisiert, parodiert und verewigt – die Luftschutzsirenen zu dröhnen begannen, versicherte er seinem Publikum, dass er den zweiten Satz spielen werde, sobald die Warnung aufgehört und er seine Frau und seine Kinder ins Tierheim gebracht habe. Wie einer seiner Zuhörer an diesem Tag, der Kritiker und Komponist Valerian Bogdanov-Berezovsky, später schrieb, ist die Siebte Symphonie „ein außergewöhnliches Beispiel für eine synchronisierte, sofortige kreative Reaktion auf Ereignisse, wie sie durchlebt werden, in einer komplexen, großformatigen Form übertragen, ohne jedoch den geringsten Hinweis darauf, den Standard des Genres zu beeinträchtigen“.

Die Geschichte der Siebten ist eine der erstaunlichsten in der Musikgeschichte. Die erste volle Aufführung in Leningrad (heute St. Petersburg) gab im August 1942 ein halb verhungertes Orchester, dessen abgemagerter Zustand durch den buchstäblich von den Toten geretteten Schlagzeuger Dzaudhat Aydarov symbolisiert wird. Aydarov galt bereits als Leiche, aber der verzweifelte Dirigent Karl Eliasberg ging in die Leichenhalle, um sich zu vergewissern – und entdeckte diesen vermeintlichen Leichnam, der sich bewegte und atmete. Aydarov übernahm die wohl anspruchsvollste Rolle in der Symphonie und spielte die Seitentrommel, die den unerbittlichen Rhythmus des Krieges im Herzen des ersten Satzes schlägt.

Das Heldentum und die Menschlichkeit der Geschichten, die mit der „Leningrader“ Symphonie verbunden sind, werden durch das Zeugnis zweier Frauen offenbart, die im August 1942 im Großen Saal der Philharmonie im Publikum waren. Olga Kvade und Tamara Korol’kevich – beide jetzt in ihren 90ern – sprechen mit Amanda Vickery in unserem Film Leningrad und das Orchester, das Hitler trotzte, und ihre Berichte sind unauslöschlich bewegend. Sie hörten die Tragik und das Leid ihrer eigenen Erfahrungen in der Belagerung, die sich in das symphonische Epos verwandelten, aber sie erkannten auch ihre verzweifelten Hoffnungen und ihren individuellen Mut und kollektiven Widerstand in den letzten, überwältigend intensiven Klängen des ersehnten Sieges.

Das Stück hat auch eine besondere Bedeutung für Schostakowitschs eigene Biographie und für den größeren Kontext der Musik des 20.Jahrhunderts. Es spiegelt seine Propagandakraft als sowjetischer Komponist wider, der die Klänge des Widerstands gegen die Nazis schrieb, während er als Feuerwehrmann auf dem Dach des Gebäudes das Leningrader Konservatorium vor deutschen Brandbomben rettete. Schostakowitsch wurde im Oktober 1941 mit seiner Familie aus Leningrad evakuiert und komponierte das Finale der Siebten in Kuibyschew (wo das Stück uraufgeführt wurde), aber die Idee des Feuerwehrmanns Schostakowitsch, der sich nicht vor der Front verschonte, sondern auch den Soundtrack zum alliierten Widerstand komponierte, erwies sich als unwiderstehlich. Das war das Bild, das im Sommer 1942 das Cover des Time Magazine schmückte, als die Symphony eine Tour durch eine zerrüttete Welt unternahm.Als Henry Wood und Arturo Toscanini Aufführungen für die BBC in London und NBC in New York dirigierten, die an Millionen von alliierten Haushalten gesendet wurden, war Schostakowitsch ein Symbol des internationalen politischen und kulturellen Widerstands. Dass ein Komponist eine Symphonie dieses Umfangs, Ehrgeizes und dieser Integrität schreiben konnte, während eine Stadt bombardiert und verhungert wurde, wurde von den Zuhörern als Beweis dafür interpretiert, dass die Nazis in Russland nicht gewinnen würden und konnten.

Oder das ist die konventionelle Erzählung. Aber der Empfang des Siebten war nicht allgemein lobend. Der amerikanische Kritiker und Komponist Virgil Thomson sagte, dass die Symphonie „für die Langsamen, die nicht sehr musikalischen und die Abgelenkten geschrieben worden zu sein scheint“, eine Art Komposition definierend, die „schließlich für die Betrachtung als ein ernster Komponist disqualifizieren könnte“. Auch in den USA im Exil lebende Komponisten waren nicht beeindruckt. Rachmaninow reagierte mit den Worten: „Nun, und jetzt wollen wir Tee trinken“, aber Béla Bartók ging weiter als Apathie und Gleichgültigkeit. Innerhalb eines Jahres mehr als 60 Mal in den USA aufgeführt, war die Symphonie unausweichlich und unausweichlich populär geworden. Bartók antwortete, indem er das sogenannte „Invasionsthema“ im ersten Satz – die einfache Melodie, die sich durch Hunderte von Takten wälzt und mit jeder Wiederholung brutaler, hirnloser und furchterregender wird – in sein Konzert für Orchester von 1943 schickte.All diese Kritiken, die bis heute andauern – der Komponist und Schriftsteller Robin Holloway zum Beispiel beschreibt Schostakowitsch als „Musik, um Pöbel zu wecken, von weitem zu sehen wie Slogans in 30 Fuß hohen Buchstaben, Musik ohne innere musikalische Notwendigkeit“ – stammen aus einer bestimmten Interpretation Schostakowitschs: seiner kompositorischen Rohheit, seinen vermeintlich simplen Kontrasten von Material, Farbe und Textur und seinem unverschämten Wunsch zu kommunizieren.

Dennoch liegt eine tiefe Raffinesse in dem, was Schostakowitsch in diesem Stück gerade in den Momenten tut, in denen seine Oberflächen am banalsten erscheinen. Die unschuldige, aber heimtückische Melodie, die den ersten Satz auseinanderbläst, ist so weltlich wie möglich gestaltet. Es ist ein Bild davon, wie die mittelmäßigste und gedankenloseste Idee – oder Person – die größte Verwüstung anrichten kann. Schostakowitsch enthüllte und verwirklichte eine bleibende Wahrheit aller ideologischen Tyranneien. Wie er einem Freund erzählte, nachdem er die Symphonie beendet hatte, ist eines ihrer Themen „Faschismus. Aber Musik, echte Musik, kann niemals buchstäblich an ein Thema gebunden werden. Der Nationalsozialismus ist nicht die einzige Form des Faschismus; diese Musik handelt von allen Formen des Terrors, der Sklaverei, der Knechtschaft des Geistes.“

Während die ersten drei Sätze schnell geschrieben waren, dauerte das Finale länger. Die Symphonie zermürbt ihren endgültigen Sieg, ihre letzten Momente sind für das Konzertpublikum fast so hart erkämpft wie für den Komponisten. Das bedeutet, dass das Ende des Stücks keine einfache Feier ist, da es selbst in den letzten Takten Echos des Kampfes des Restes der Symphonie gibt, als ob dieser Sieg nicht vollständig sein kann, wenn er so viel gekostet hat.Das ist genau das, was Schostakowitsch und die Sowjetunion nach dem Ende der Leningrader Belagerung 1944 und dem Großen Vaterländischen Krieg, wie die Russen es nennen, ein Jahr später bewiesen haben. Schostakowitschs Werk wurde 1948 verboten. Josef Raiskin, der 1942 als kleines Kind in Kuibyschew die Uraufführung der „Leningrader“ Symphonie hörte, erinnert sich jedoch, dass seine Klassenkameraden trotz ihres Lehrers begannen, den Rhythmus des Invasionsthemas auf ihren Schreibtischen zu klopfen. Was auch immer das Regime versuchte, Schostakowitschs Musik verschwinden zu lassen, sie konnte in den Herzen und Köpfen der Russen nicht zum Schweigen gebracht werden.

Und trotz der Kritik kann es auch in unseren Konzertsälen nicht zum Schweigen gebracht werden. Die „Leningrader“ Symphonie bleibt eine einzigartig resonante Offenbarung eines Kapitels in der Geschichte des 20.Jahrhunderts. Aber es findet neue Bedeutungen, Interpretationen und Relevanz im 21. Die Symphonie gehört nicht nur der Stadt, der sie gewidmet ist – sie gehört auch uns.Leningrad und das Orchester, das Hitler trotzte, ist auf BBC2 am 2. Januar um 9.10 Uhr.

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