Cuando la música pop se hizo grande: 1968 y el nacimiento del rock arena
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Un efecto secundario inesperado pero monumental de ese impulso de crecimiento en el mundo del deporte fue el florecimiento de la era del «rock arena», una transformación del negocio de los conciertos que trajo cambios dramáticos no solo al tamaño de los lugares regularmente hospedar a los nombres más importantes de la música pop, pero por su estructura, contenido y finanzas.
«Diría que los primeros conciertos gigantes que hicimos en el Madison Square Garden y el Forum, fue un verdadero placer experimentar esa adulación masiva», dijo el baterista John Densmore de the Doors. La célebre banda de Los Ángeles, que había estado tocando en clubes y pequeños teatros que tenían un máximo de 2.000 o 3.000 fans, encabezó el Foro en diciembre. 14, 1968. Fue el segundo concierto de rock en el Foro después de que el magnate deportivo Jack Kent Cooke gastara 1 16 millones en un nuevo hogar en la Costa Oeste para su equipo de la NBA, los Lakers, y su nueva franquicia de la NHL, los Kings. La primera fue la actuación en octubre de 1968 del trío británico power Cream y el acto de apertura Deep Purple. Cream, que estaba en su gira de despedida, también encabezó el primer concierto de rock del Madison Square Garden en noviembre. 2, 1968.
se darán cuenta de Que, ‘Wow, 15.000 personas se ven a vernos, y lo podemos hacer sin llegar bajo la lluvia.’
No pasó mucho tiempo antes de que otros músicos de rock se registraran rutinariamente en arenas que podían acomodar a 18,000 compradores de entradas, lo que significa que los artistas podían borrar tanto en una sola noche como lo harían antes tocando en teatros de tamaño medio durante una semana, o en un mes en los clubes nocturnos.
Un grupo tocando en un club podría bruto de $750 a $1,000 en una noche, o $5,000 a $10,000 en un tamaño modesto teatro. Pero con las arenas, el potencial bruto de repente se disparó a 7 75,000 o incluso 1 100,000 por noche, cuando las entradas aún tenían un promedio de 5 5.
No todo ese dinero fue para los artistas, por supuesto: los músicos repartieron la ganancia con promotores de conciertos, operadores de edificios, gerentes, agentes y otros. Pero la diferencia en el gran número de fans que acudían cada vez más a los conciertos fue un cambio de juego.
«Sin duda, financieramente fue genial», dijo Densmore en una entrevista conjunta con el gerente del grupo en ese momento, Bill Siddons, quien luego dirigió a Crosby, Stills & Nash y otros rockeros de arena.
Las arenas estaban más orientadas a cosas como Vacaciones en el hielo y el circo. La música rock era un mundo completamente diferente.’
Inicialmente, los funcionarios en las nuevas instalaciones tales como el Espectro en Filadelfia (que se abrió en septiembre de 1967), el Foro (Dec. 30, 1967) y la cuarta encarnación del Madison Square Garden Arena de la ciudad de Nueva York (Feb. 11, 1968), sabían que tendrían un número significativo de noches abiertas que llenar cuando no hubiera partidos de la NBA o la NHL.
«Descubrimos que toda la tez del negocio de la arena cambió», dijo Claire Rothman, gerente general del Foro durante los años 1970 y 1980.
Se mudó al oeste del Espectro de Filadelfia y se convirtió en una de las raras mujeres a cargo de un estadio deportivo en esa época. «Hasta entonces really no había realmente un método para hacer los conciertos de rock’ n ‘ roll. Estaban más orientados a cosas como las vacaciones en el hielo y el circo. La música rock era un mundo completamente diferente.»
Conciertos de larga duración
La música rock en sí misma cambió y se adaptó a su nuevo entorno.
Volviendo a la década de 1950, los conciertos de música pop generalmente se configuraban como revistas: múltiples actos, cada uno tocando sets relativamente cortos enfocados solo en sus mayores éxitos de radio. No era raro que los actos de apoyo tuvieran 15 minutos o menos en el escenario. Incluso los cabezas de cartel proporcionarían 20 o tal vez 30 minutos de música como máximo.
Pero el advenimiento de grandes y nuevos espacios para que los músicos habitaran coincidió aproximadamente con el cambio en el negocio de la música del sencillo de 45 rpm como medio dominante al álbum de larga duración de 33 1/3 rpm, o LP.
Este cambio tecnológico permitió a los músicos más espacio para experimentar con la expresión creativa, temática y cronológicamente, una nueva libertad que se plasmó en sus shows en vivo.
Las bandas rápidamente comenzaron a adaptar y ampliar sus presentaciones para tocar mejor en las casas más grandes. También actuaban para audiencias que estaban madurando con ellos.
«Los Beatles dejaron la gira en 1966 por una variedad de razones, una de ellas es que no podían escuchar lo que estaban tocando», dijo Craig Inciardi, curador y director de adquisiciones del Salón de la Fama del Rock and Roll en Cleveland. «Su público era en gran parte adolescentes, que gritaban tan fuerte que no podían escuchar la música.
«Para cuando los Stones dieron sus primeros conciertos a finales del 69 en el New Madison Square Garden, las cosas habían cambiado significativamente», dijo Inciardi. «Habían estado fuera de la carretera durante más de un año, su audiencia había crecido un poco y regresaron con una nueva visión para la banda. Fue un espectáculo más largo, con una calidad de sonido mucho mejor. En el 69, los Stones tocaron allí, Jimi Hendrix tocó allí y realmente puso el lugar en el mapa.»
El Foro en el oeste y el Madison Square Garden en el este se convirtieron rápidamente en ejes en el nuevo mundo del rock de arena. La mayoría de los grandes nombres del rock y el pop aparecían rutinariamente en ambos: Elvis Presley, Bob Dylan & the Band, Paul McCartney & Wings, Creedence Clearwater Revival, Barbra Streisand, Three Dog Night, Jethro Tull, the Jackson 5.
Tal vez lo más impresionante, Led Zeppelin tocó en el Foro un récord de 16 veces entre 1970 y 1977, incluyendo una en el 77, antes de que el legendario grupo de hard rock se disolviera.
«Llegó al punto en el que era un punto de prestigio jugar en el Foro», dijo el ex gerente general Rothman. «La gente llamaba y decía:’ ¿Tienes tal o cual acto?»Empezaron a pensar que todos los actos que querían ver estaban tocando en el Foro.»
Era más grande mejor?
Los músicos y bandas individuales descubrieron rápidamente que estos conciertos a gran escala constituían una nueva fuente significativa de ingresos, ya no meramente «apariciones promocionales» para ayudar a impulsar las ventas de grabaciones.
«Bandas como los Stones, por ejemplo, comenzaron a hacer mejores ofertas y descubrieron que realmente podías ganar dinero yendo de gira, y que no se trataba solo de apoyar un álbum», dijo Inciardi. «El rock estaba creciendo, había una mayor demanda y es por eso que muchos actos musicales terminan tocando en estas arenas de 20.000 asientos. Tal vez cinco años antes, había muy pocos que pudieran hacer eso. La base de fans aún no estaba allí.»
Para los propios artistas, «La mayor parte fue simplemente emocionante», dijo el gerente de Doors, Siddons, «Te darás cuenta, ‘Wow, 15,000 personas vendrán a vernos, y podemos hacerlo sin que llueva.’
Más grande, sin embargo, no siempre se traducía en «mejor.»
«Después de un tiempo se puso un poco viejo,» el baterista de Densmore, dijo. «Creo que Jim se cansó de eso. Todos lo hicimos, pero principalmente Jim.»
Siddons recordó a Morrison rumiando sobre las cosas que estaban cambiando a medida que las arenas se volvían más comunes para los espectáculos de rock.
«Una de las citas más famosas de Jim, y puede que no tenga todos los detalles de la forma en que respondió cuando la gente le preguntaba sobre la actuación, pero fue algo como, ‘Cuanto más grande se hace la sala, más grande se hace el público y más obvio tienes que estar en el escenario'», dijo Siddons. «Tú eres el chamán, y quieres que tu música se comunique con la gente de todo el edificio.»
O como dijo Densmore, » Uno necesita exagerar un poco más a medida que la audiencia se hace más grande.»
Las Puertas apenas estaban solas haciendo esa realización.
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«No fue una emoción para la banda», dijo Dennis McNally, vocero de Grateful Dead, de los años 1980 y más allá, después de que el rabioso seguimiento de ese grupo se expandiera hasta el punto en que tocar en arenas se convirtió en una necesidad para satisfacer la demanda de los fanáticos.
El guitarrista principal, cantante y compositor de The Dead, Jerry García, «no le gustaba jugar en estadios en particular», dijo McNally. «Incluso las arenas — todo sigue siendo una cuestión de escala.
«Específicamente hablando de tocar en estadios, Jerry dijo que realmente tienes que tocar hasta la última fila, y al hacer que tu música se vuelva caricaturesca, no se puede matizar», recordó McNally. «Tiene que ser simple y claro para llegar a la última fila. Pierde sutileza.»
Uno de los resultados fue una nueva generación de grupos de rock cuya música se ajustaba a esos criterios: Journey, Kansas, Foreigner, Toto, Bon Jovi y otros que se especializaron en canciones con coros simples hechos a medida para cantar en masa, incluso si no eran particularmente innovadores musicalmente. Pero tocaban bien a grandes multitudes en vastos espacios cerrados.
«Acústicamente, una habitación pequeña e íntima es lo ideal», dijo McNally. «El hecho es, se convirtió en el modelo debido a la economía. Era un modelo impulsado únicamente por la economía.»
Escala económica y física.
» Los Stones, por ejemplo, cada vez que salían de gira, creaban un diseño de escenario diferente cada vez», dijo Inciardi, del Salón de la Fama del Rock. «Bandas como Queen tenían una plataforma de iluminación gigante clásica que se convirtió en parte de su iconografía. Algunos grupos lo cambiaron todo.»
De hecho, los valores de producción comenzaron a crecer, los sistemas de sonido se hicieron más grandes, los efectos de iluminación se volvieron más deslumbrantes, los disfraces a menudo se volvieron más escandalosos a medida que los artistas intentaban captar y mantener la atención de los fanáticos, muchos de los cuales se sentaban a docenas o cientos de yardas de distancia, en lugar de a una distancia de escupir.
Tocar música en vivo se volvió menos como el uso sutil de la expresión facial de un actor que es posible en las películas, y más como los grandes gestos y la proyección vocal en auge de la actuación en una obra de teatro en un teatro masivo de Broadway.
«Ese es un buen paralelo,» Densmore, dijo. «Una película sería como hacer una grabación — o tocar en un teatro de 60 asientos.»
Los conciertos de rock se convirtieron en asuntos cada vez más elaborados. El famoso logotipo de labios con lengua extendida de los Rolling Stones se lanzó en 1969, y se exhibió de formas cada vez más grandes en giras posteriores.
Otros accesorios a gran escala se hicieron más comunes, lo que aumentó el impacto visual y la carga financiera de organizar giras importantes.
En 1977, la Orquesta de Luz Eléctrica de Inglaterra estaba utilizando una maqueta de nave espacial de tamaño completo en el escenario junto con luces láser, efectos pirotécnicos y cantidades prodigiosas de niebla en el escenario en su gira «Out of the Blue» de estadios deportivos.
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El boleto de $100
Una característica de los espectáculos de rock que los hacía atractivos para los operadores de la arena era que normalmente eran de una noche. Como tal, se podían colocar convenientemente entre los puestos de baloncesto y hockey de varias noches en casa.
«Fue una parte tan importante de su capacidad para crear ingresos suficientes para hacer el pago de su hipoteca o lo que fuera», dijo Rothman. «Para que una arena sea viable, se necesitan un par de cientos de noches al año para sobrevivir. Cada uno de los equipos sólo podía darte unas 46 noches, y si no estaban en los playoffs Philadelphia en Filadelfia teníamos hockey y baloncesto . Pero juntos solo representaban 82 noches al año. El negocio de la arena se parece mucho al negocio hotelero: una noche oscura es un ingreso que se pierde para siempre.»
Durante la mayor parte de la década de 1970 y hasta bien entrada la década de los 80, los precios de las entradas aumentaron solo modestamente. Las entradas para la gira «Darkness on the Edge of Town» de Springsteen en 1978 seguían siendo de solo 8 8.50 cuando se detuvo en el Forum.
«Era nuevo en San Francisco cuando me mudé allí en el otoño del 76», recordó McNally de Dead, «y cómo gemimos al precio de ‘The Last Waltz'», dijo, refiriéndose al evento de despedida a la gira repleto de estrellas organizado por la Banda, al que se unieron Bob Dylan, Joni Mitchell, Eric Clapton, Muddy Waters, Ringo Starr, Neil Young, Van Morrison, Neil Diamond, Dr. John y varios otros.
«El precio era de $25, que en su momento fue un gran cantidad de dinero», dijo. «¿Cuánto pagarías ahora por una alineación como esa?
A dos décadas de la era del rock de arena, los Rolling Stones subieron la apuesta solo a alrededor de 3 30 por el valor nominal de un boleto prime para su gira Steel Wheels de 1989-90, que recaudó poco menos de 1 100 millones y mantuvo el récord como la gira más taquillera en la historia del rock durante varios años.
El gran cambio al alza en los precios de las entradas comenzó en 1994, cuando los Eagles reunidos lanzaron la gira «Hell Freezes Over» del grupo de arenas, anfiteatros y estadios. Era la primera vez que un acto cobraba 1 100 por asiento, una medida que indignó a muchos fanáticos, pero también tentó a los promotores y otros expertos en negocios musicales.
Hoy en día, los precios en el rango de tres cifras no son inusuales, especialmente cuando se venden en puntos de venta secundarios.
Una de las giras más populares de 2018 es la gira «Reputation» de Taylor Swift, para la que ella y el promotor Live Nation están probando una nueva estrategia de fijar el precio de los mejores asientos de acuerdo con lo que soportará el mercado, en lugar de un precio bajo predeterminado que desvía las entradas, y los ingresos por ventas, a los corredores en lugar de a los artistas.
«En el verano de 1995, que fue nuestra última gira , salimos y el tráfico se abrió para nosotros, y el tráfico no era barato», dijo McNally. «Cobramos 3 30 por boleto, y era la primera vez que rompíamos la marca de 3 30, y muchos de nosotros sentimos, ‘Esto no está bien, es demasiado. Estábamos orgullosos . Puedes tratar a tus fans como familia,o puedes tratarlos como ganado que lleva billeteras.»
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