Chris Ofili, La Santa Virgen María, 1996, collage de papel, pintura al óleo, brillo, resina de poliéster, alfileres de mapa & estiércol de elefante sobre lino, 243,8 x 182.9 cm © Chris Ofili

Sensation

Cuando la colección personal del ejecutivo de publicidad y coleccionista de arte británico Charles Saatchi salió de gira en una exposición llamada Sensation en 1997, los espectadores deberían haber sabido prepararse para la controversia. El espectáculo presentó una muestra representativa del impactante trabajo de una nueva generación descarada de» Jóvenes Artistas británicos», que incluye, por ejemplo, el retrato de Marcus Harvey de Myra Handley, una asesina de niños condenada, y cuadros escultóricos pornográficos de Jake y Dinos Chapman. En Londres, el museo fue objeto de piquetes desde el primer día, pero la atención de los medios de comunicación finalmente marcó el comienzo de un récord de asistencia.

En octubre de 1999, Sensation abrió sus puertas en el Museo de Arte de Brooklyn, donde fue la icónica pintura de Chris Ofili, La Santa Virgen María, la que incitó el debate más acalorado. El alcalde Rudy Giuliani amenazó con cerrar la institución financiada por la ciudad con el argumento de que esta obra de arte era ofensiva para los espectadores religiosos. Dos meses más tarde, la pintura, que descansa sobre dos grandes bolas de estiércol de elefante, fue profanada por un anciano visitante que untó pintura blanca sobre su superficie, afirmando que la imagen era «blasfema».»

A primera vista, parece fácil discernir por qué la pintura levantó algunas cejas: la inclusión de mierda real y pornografía con collages podría ser suficiente para ofender a los espectadores conservadores. Sin embargo, el trabajo de Ofili es más matizado de lo que parecía a sus detractores; la pieza reflexiona sobre los precedentes históricos del arte mientras aborda la política de identidad, la religión y la cultura pop. Para comprender su complejidad, uno debe mirar debajo de la superficie, por deslumbrante e impactante que pueda ser.

¿Icónico o iconoclasta?

Sobre un fondo dorado brillante compuesto de puntos cuidadosamente colocados de pintura y brillo, la figura central de la pintura de Ofili mira directamente a su espectador, con los ojos abiertos y los labios separados. Su túnica azul fluye desde la parte superior de su cabeza hasta la base amorfa de su cuerpo, cayendo abierta para revelar una bola lacada de estiércol de elefante donde estaría su pecho. Imágenes de collages de nalgas de mujeres rodean a la Virgen; cortadas de revistas pornográficas, se convierten en formas abstractas, casi decorativas que se niegan a significar hasta que se enfrentan de cerca. Las dos bolas de estiércol debajo del lienzo están adornadas con letras brillantes que deletrean el título de la obra.

Formalmente, el uso del oro y la Virgen frontal vinculan la obra con iconos medievales, haciendo que la vulgaridad de las imágenes pornográficas sea aún más cruda. Sin embargo, el artista afirma que lo sagrado y lo profano no siempre se oponen, incluso en el arte religioso tradicional:

Como monaguillo, me confundía la idea de una santa Virgen María dando a luz a un niño pequeño. Ahora, cuando voy a la Galería Nacional y veo pinturas de la Virgen María, veo lo sexualmente cargadas que están. La mía es simplemente una versión de hip hop.

Raza, religión y representación

Es quizás la declaración final de Ofili anterior la que indica la fuente de las ansiedades de sus críticos. Como ha explicado Carol Becker, Ofili está » transformando a la Virgen en una imagen exuberante y folclórica. (probably) probablemente el más controvertido de todos, hizo su propia representación de la Virgen, desafiante de la tradición. La «boca africana parodia» y los rasgos faciales exagerados llaman la atención sobre los estereotipos raciales, así como sobre la supuesta blancura de las figuras bíblicas en las representaciones occidentales. El icono de Ofili nos pide que enfrentemos la posibilidad de una Virgen María negra. Otras obras expresan el interés de Ofili en la cultura negra de manera más explícita: pinturas como la serie Afrodizzia y No Woman No Cry hacen referencias no solo al hip-hop y el reggae, sino también a la política racial contemporánea.

El triunfo de la pintura

Aunque sus obras rinden homenaje a celebridades negras icónicas como James Brown, Miles Davis y Muhammad Ali, también tienen que ver con el acto de pintar. Con sus estampados psicodélicos, colores brillantes y superficies texturizadas, las imágenes expresan el deseo de Ofili de «perderse lo más profundamente posible tanto en el proceso de pintura como en la pintura en sí.»

Desde sus inicios, el artista era un apasionado del medio, incluso cuando la pintura creció a raíz del posmodernismo. Se matriculó en la Escuela de Arte de Chelsea, donde desarrolló un estilo expresionista, pero su trabajo realmente comenzó a madurar después de un viaje a Menudo mitológico a África.

Ofili nació en Manchester, Inglaterra, de padres nigerianos. Sin embargo, cuando se le concedió una beca del British Council en 1992, no se aventuró a su país de origen, sino a Zimbabue, en el sur de África. Allí, se inspiró en los motivos abstractos que se encuentran en la pintura rupestre de San; estas marcas gráficas encontraron su camino en los fondos arremolinados de sus composiciones posteriores.

En Zimbabue también descubrió el estiércol de elefante, y experimentó con su uso como medio estético, pegándolo sobre las superficies de sus lienzos. Como más tarde recordaría, «fue una manera burda de traer el paisaje a la pintura», así como un guiño a la historia del arte modernista a través del estatus del estiércol como objeto encontrado.

Al año siguiente, de vuelta en Europa, Ofili ya estaba trabajando con su nuevo material. Realizó una actuación en Berlín y Londres titulada Shit Sale, un guiño al Bliz-aard Ball Sale de 1983 del artista estadounidense David Hammons, y más tarde produjo una obra sobre lienzo titulada Painting with Shit on It, de la que finalmente emergió su estilo maduro.

Combinar el placer visual con una práctica conceptual

El trabajo de Ofili está motivado tanto formalmente como políticamente. El artista no solo volvió a la pintura, sino que volvió a la decoración y al placer visual, en un momento en que se esperaba que el arte cumpliera con la estética más cerebral del postmodernismo. Tal vez su atracción por los colores llamativos y brillantes, los materiales terrosos y las superficies brillantes, junto con las apuestas altamente conceptuales de su proyecto, refleja otra mezcla de lo sagrado y lo profano, con respecto al conservadurismo del mundo del arte. Al incorporar formas de arte altas y bajas, narrativas históricas, religión y cultura pop, La Santísima Virgen María representa una indagación más profunda de lo que implicaría el espectáculo de la Sensación.

1. Citado en Jonathan Jones, «Paradise Reclaimed», Guardian, sección de la revista, 15 de junio de 2002.

2. Carol Becker, » Museo de Brooklyn: Jugando con lo Sagrado » en Chris Ofili, Rizzoli, 2009, p. 84.

3. Chris Ofili, citado en Judith Nesbitt «Beginnings» en Chris Ofili, Londres: Tate Publishing, 2010, p. 15.

4. Chris Ofili,» La belleza Decorativa era un Tabú», entrevista con Mario Spinello, ¡Brillante! Arte nuevo de Londres, exh. gato., Walker Art Center, Minneapolis, 1995, pág. 67.